Proyecto Bicentenario

Cartografías performativas

 

cuerpos ... voces ... territorios ... (salvajes)

 

Proyecto de formación y producción performativa de interart·e·scenica

 

 

El meollo del asunto:

 

Transitamos un giro performativo en las artes (Fischer-Lichte, 2011, pág. 45), que da lugar a la transfiguración de los géneros tradicionales de la escena y promueve procedimientos performativos en la literatura, la música, las artes visuales, etc. Este giro se caracteriza por la prevalencia que adquiere en el signo artístico la corporalidad o materialidad por encima de la signicidad (pág. 40). Este asunto resquebraja la solidez de los paradigmas, cuyos bordes, cada vez más porosos, son incapaces de detener la reintegración en el conjunto de consistencias rituales, lúdicas, relacionales y, consecuentemente, de las expresiones de los espectadores, las cuales escapan de la ambigüedad para impulsar una transformación relevante de los estatutos de los participantes: el observador se convierte en un interactuante, que origina estímulos directos para el proceso, mientras que el actor intensifica su dinámica performativa, de lo cual da mejor cuenta el participio: actuante (Andrade Córdova, 2016).

En el proceso de construcción de estéticas y poéticas de lo performativo pueden jugar un papel destacado sistemas de pensamiento no ortodoxo, como es el caso de la filosofía de Deleuze y Guattari (2004, págs. 13-18) uno de cuyos conceptos centrales, el de rizoma, puede ser comprendido como una teoría de sistemas abiertos y variables, cuyos principios de conexión, heterogeneidad, multiplicidad, ruptura asignificante, cartografía y calcomanía, pueden ser aplicados en la exploración de las dinámicas del hecho performativo, el cual, bajo esta mirada, pasa a ser entendido como una cartografía de intensidades y tendencias afectivas.

Este proyecto se adscribe a la reflexión sobre el arte desde la producción poética y a la crítica que hace Groys (2014) a la tradición reflexiva estética como única posibilidad de discurso sobre lo artístico, puesto que reconoce en ella la actitud del espectador que exige del arte experiencias estéticas, lo cual subordina al consumo artístico la producción artística, incluso en sus consistencias políticas, las cuales deben estetizarse para que “resulten atractivas … para el público” (pág. 11). Puesto que todo puede ser visto desde una perspectiva estética, para Groys (2014): “La dimensión política del arte [tiene] menos que ver con el impacto en el espectador y más con las decisiones que conducen, en primer lugar, a su emergencia” (pág. 15). Este posicionamiento localiza el proyecto en el giro artístico del conocimiento, noción propuesta por Coessens, Crispin y Douglas (2009) como “revalorización de la experiencia individual, artística y específica en una creciente `sociedad del conocimiento´" (pág. 14) .

Por otra parte, Fischer-Lichte (2011) considera que la reflexión estética centrada en el concepto obra de arte fracasa frente al hecho performativo, pues su singularidad solo puede ser abordada si se lo comprende como “acontecimiento” (pág. 323), circunstancia que genera mutaciones en la experiencia estética, dado que “la experiencia conjunta de los cuerpos reales en un espacio real” (pág. 73) pasa a ser la condición fundamental (pág. 328).

Proponemos el desarrollo de cartografías, experiencias y estrategias poéticas a partir del sonido y la escucha “salvajes” y sus proyecciones en el cuerpo performante, que en tal medida, es además un constituyente heterogenético de territorios. Adoptamos como referencias iniciales los postulados del filósofo alemán Peter Sloterdijk (2002, pág. 31) acerca de las hordas primitivas del paleolítico, especialmente en relación con una etapa de desarrollo humano previa a la invención del lenguaje: para esas comunidades primitivas nómadas, el paisaje sonoro creado con los sonidos de la comunidad, es decir, la sonoesfera comunitaria, era la matriz fundamental de socialización, por lo que en ese estadio: el sentido de “pertenecer al mismo grupo, no significa[ba] de entrada más que escucharse juntos”. Antes de la invención del lenguaje, los sonidos vocales prelingüísticos, “salvajes”, “primitivos”, "accidentales", los “ruidos” de las actividades humanas, etc. configuraron el útero sonoro-social en el que se forman la identidad y la pertenencia. En efecto, la naturaleza envolvente de lo sonoro prescribe que la escucha sea un agenciamiento (Deleuze & Guattari, 2004, pág. 10) sonoesférico, condición que da lugar a una tensión originaria individuo-contexto, cuya consistencia nos vincula con lo más ancestral de nuestra memoria como individuos y como especie.

 

En tal sentido, el proyecto escudriña en los principios básicos de creación, pues está vinculada a la escucha primigenia. En una época como la actual, en la que nos escuchamos cada vez menos, esta propuesta conlleva una reformulación de la propuesta de Agamben (2009) sobre la pulsación de lo arcaico en nuestro tiempo, que determinaría que contemporáneo sería aquel que está a la escucha con todo su cuerpo y espíritu de esos sonidos que tratan de alcanzarnos en el presente, sin poder hacerlo, y que intenta percibir la misteriosa audibilidad de un silencio que conlleva resonancias primigenias y provoca la activación “salvaje” y primitiva del cuerpo performante.

 

 

Objetivos:

Queremos poner en relieve las proyecciones vitales y relacionales de lo performativo, fortaleciendo así su entendimiento como espacio de resistencia a las determinaciones y lógicas deshumanizadoras y disgregadoras de la axiomática fraudulenta y paralizante del capitalismo, que dictamina una subjetividad individualista, competitiva, atractiva, etc., para producir realmente una trituración de posibles, que genera cansancio, depresión y servilismo. El proyecto pone en realce, por lo tanto, la potencialidad política de la realización performativa como generadora de nuevos territorios, desde lo fisiológico, hasta lo geopolítico, pasando por lo individual, lo social, lo intercultural.

 

El proyecto se ejecutaría de manera itinerante en distintos geoterritorios del país para despertar posibilidades y cartografías performativas, por medio de un equipo de facilitación, instrucción y producción, que desarrollaría clínicas de indagación-creación durante tres semanas en cada lugar, con la finalidad de provocar e impulsar procesos locales de expresión, bajo premisas dialógicas, relacionales y horizontales. De esa manera, el proyecto se propone contribuir a la construcción de un paradigma de democracia cultural como incitador de expresión local y propia. Inicialmente, a manera de proyecto modelo, se ejecutarían clínicas en siete provincias, distribuidas en todas las regiones del país y dirigidas a artistas locales de todas las prácticas. La performatividad puede atravesar y transformar todas las disciplinas, incluso aquellas que han sido tradicionalmente comprendidas como generadoras de obras de arte "objeto" y que se suponen alejadas del cuerpo en acción durante el encuentro directo con otros cuerpos. 

Javier Andrade Córdova

01.09.2021

Agamben, G. (21 de Marzo de 2009). ¿Qué es ser contemporáneo?. El Clarín.

Andrade Córdova, J. (2016). La sensualidad antes del sujeto y el performance participativo. Tsantsa. Revista de investigaciones artísticas(4). Facultad de Artes de la Universidad de Cuenca.

Coessens, K., Crispin, D., & Douglas, A. (2009). The Artistic Turn: a manifesto. Leuven University Press.

Deleuze, G., & Guattari, F. (2004). Mil mesetas: Capitalismo y esquizofrenia (6 ed.). (J. Vásquez Pérez, & U. Larraceleta, Trads.) Pre-Textos.

Fischer-Lichte, E. (2011). Estética de lo Performativo. Abada Editores.

Groys, B. (2014). Volverse público: las transformaciones del arte en el ágora contemporánea. (P. C. Roca, Trad.) Caja Negra.

Sloterdijk, P. (2002). En el mismo barco: Ensayo sobre la híperpolítica (3era. ed.). (M. Fotán del Junco, Trad.) Siruela.

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Equipo:

Director-facilitador: Javier Andrade Córdova

Productora /diseño: Lolo Villacís

Facilitadora/asistente de producción: Paula Ullauri

Registro y documentación: (Esteban Lupercio?)

 

Procedimiento:
El equipo de trabajo se desplazaría por un período de tres semanas a cada uno de los lugares. Entre período y período habría una semana intermedia de evaluación y traslados. Todo el proceso tendría una preproducción de dos meses, para la organización y consolidación de los trayectos a realizarse y, asimismo,  un mes de posproducción, para evaluación y desarrollo de productos finales de registro y documentación.

 

Esquema de producción:

La producción central se ejecutaría desde una instancia de proyección y carácter nacional, que se encargaría de la cobertura de:

  • Mitad de los costos de honorarios del equipo

  • Promoción nacional

  • Traslados

 

En cooperación con instituciones de orden local, encargadas de:

  • Mitad de los costos de honorarios del equipo

  • Preproducción local

  • Promoción local

  • Estadía y alimentación

  • Sitio de encuentros y ensayos

 

Boceto cronograma:

El proyecto se ejecutaría con el siguiente cronograma base de diez meses, 3 de ellos: los 2 de preproducción y el de posproducción, se ejecutarían en Quito. Es un boceto perfectible y sujeto a ajustes:

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Presupuesto:

 

Personal

Director-facilitador: Javier Andrade Córdova                                    1.250,00 USD      x  10 meses                            12.500,00 USD

Producción/diseño: Lolo Villacís                                                            900,00 USD     x  10 meses.                             9.000,00 USD

Facilitadora/asistente de producción:  Paula Ullauri                           800,00 USD    x  10 meses.                              8.000,00 USD

Registro y documentación video, fotografía, pág. web                       700,00 USD     x     8 meses                              5.600,00 USD

Costo parcial de personal                                                                                                                      35.100,00 USD

Logística

Estadía (alojamiento + alimentación) 4 personas X 21 días x 7 ocasiones (588 pax) / 25,00 USD Pax                  14.700,00 USD

Traslados 4 personas (ida y vuelta) x 7 ocasiones / 20,00 USD                                                                                        580,00 USD

Costo parcial logística                                                                                                                           15.280,00 USD

Costos de ejecución                                                                                                                               50.380,00 USD

 

Gestión de recursos

14% de costos de ejecución                                                                                                                                                  7.053,20 USD

Costos total del proyecto                                                                                                                       57.053,20 USD

                 

en busca del sonido salvaje ... para llegar al cuerpo primitivo ... a los territorios originarios ...
para regresar y volver a irse ... 

Javier Andrade Córdova

Investigador

Director artístico

Productor interdisciplinar

Luego de su formación musical en el Conservatorio Nacional de Quito y teatral en el Teatro Estudio, se recibió en Dirección de Escena de Ópera y Teatro en la Universidad de la Música y el Teatro de Múnich, Alemania. Posteriormente realizó una Maestría en Artes del Espectáculo Vivo en la Universidad de Sevilla, España, y se encuentra desarrollando un doctorado en artes en la Universidad Nacional de las Artes de Argentina en el ámbito performativo. Tiene además una formación como licenciado en Ciencias de la Educación y un diploma en matemáticas y física superiores. Ha sido ganador del “Foerderpreis” del Concurso Internacional de Dirección de Escena de Ópera, Ringaward 2003, en Graz, Austria. Se desempeñó como Director de Artes Escénicas del Teatro Nacional Sucre y Director Artístico del Teatro Bolívar, ambos en Quito.

 

Ha dirigido producciones operísticas, teatrales y performativas, así como vídeos experimentales en Alemania, Austria, Holanda, Polonia, España, Italia, China, Cuba, Colombia y Ecuador. 

En su obra experimental, resaltan creaciones performativas, e inter y transdisciplinarios como “Laberinto” estrenada en Múnich; “Mi íntimo espacio público”, estrenada en Casa América de Barcelona, “Poema Dadadamour” para la Sala de Teatro experimental de Sevilla, “Ficus 5” para el Museo de Arte Plástico de la Antigüedad de Múnich; "Virtual Reaktion",  “Lazos de Tiempo” para el Festival de Arte en Tiempo Real de Múnich en colaboración con CIESPAL de Ecuador; o “juegos globales imperativos” para las sala de Arte contemporáneo del Museo de la Ciudad de Quito. En esta línea se enmarcan también obras como “ciudadanas celestes” o “crónicas del agua I”, esta última estrenada en abril de 2016 en Cuenca y presentada en los festivales Escenarios del mundo de Cuenca, octubre de 2016, y Primer Festival de Artes Vivas de Loja, noviembre de 2016. Asimismo, sus videos experimentales se han presentado en festivales de Videoarte en Kassel y Múnich, Alemania; Friesland, Holanda; Wroclow, Polonia; La Paz, Bolivia y Quito, Ecuador.

Se ha desempeñado como docente universitario en Ecuador, España, Alemania, Colombia, Argentina y China.

Contacto:

 

Correo  electrónico:

javierandradecordova@hotmail.com

Teléfonos:

Ecuador: +593 984972062

Lolo Villacís 

Productora

Diseñadora

Desde temprana edad, formada en el Conservatorio de Música “La Merced” y en los talleres de danza clásica de la Casa de la Cultura a cargo de Vanesa y Judith Pérez, en la ciudad de Ambato. Con un bachillerato en danza y teatro, viaja a perfeccionarse a la Argentina junto con la Confederación Interamericana de Profesionales de la Danza a cargo de Rodolfo Solmoirago. Se gradúa como licenciada en diseño de indumentaria en la Universidad de Morón (Argentina). Ingresa en talleres de formación a cargo de diseñadores argentinos como Pablo Ramírez y Marcelo Senra. En el 2010 forma parte del colectivo artístico que lo lleva como diseñadora creativa y de producto de la marca cordobesa Cresta-Murelio. Actualmente finaliza su formación en la Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados, y en Mediación Cultura. Comunidad, artes y tecnologías, con el Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales -  Universidad Nacional de las Artes (Argentina).

Entre trazos y costuras, también ejerce la docencia como un reto lleno de satisfacciones. A partir del 2009 y hasta la actualidad es miembro de las Cátedras Estampación Textil y de la Cátedra Técnicas de Producción Textil en la Universidad de Morón (Buenos Aires, Arg.) y del Instituto Superior de Diseño y Arte (Córdoba, Arg.). En 2014 inicia su labor en el Conservatorio de Música y Danza "José María Rodríguez" de la ciudad de Cuenca, Ecuador; así como también brinda talleres formativos en la Escuela de Artes Escénicas de la Universidad Estatal de la misma ciudad.

Su constante curiosidad por los sonidos, texturas, luces, formas y colores la ha llevado a experimentar varias etapas de creación individual y colectiva. Proyectos teatrales como: The Last Day (2011, Argentina), Máscaras de Infancia, The Woyzeck (2012, Argentina), Crónicas del Agua (Ecuador 2016) y La Inmortal (ecuador, 2017). Diseñadora de vestuario y decoración de la Ópera Cosí Fan Tutte (2013, Ecuador), y diseñadora de vestuarios de las óperas: The Turn of the screw (2014, Colombia), Cendrillon (2016, España), La Traviata (2017), La Flauta Mágica (2017) y Eunice (2018). . Proyectos individuales "DeGales", "reCORTE PLEGAdo", y "Placamadre" Performance, entre otros.

Paula Ullauri